יום שבת, 10 במרץ 2012

חתיכת טעות | "קומדיה של טעויות" בקאמרי




בהצגת "קומדיה של טעויות" ישבה מאחורי אשה שלא הפסיקה להתגלגל מצחוק, ולמען האמת גם דיברה ללא הפסקה. בין גלגול לגלגול שמעתי אותה אומרת שלוש מלים מתבקשות, ובכל זאת מייאשות: “שייקספיר מתהפך בקברו".


בואו נדבר על זה. אין דבר יותר קל מלהפוך את שייקספיר בקברו. זה יותר קל מלהפוך חביתה. זה יותר קל מלהפוך לבעל חוב במציאות הכלכלית הנוכחית. להפוך את שייקספיר בקברו זאת לא חוכמה. חנה מרון עשתה זאת בחמש מילים בתוכנית "קרובים קרובים”, כשאחזה חציל ואמרה: “להיות או לא להיות מוסקה".


השאלה היא לאיזה כיוון מחליטים להפוך את הבחור. ההפקה הנוכחית של מה שיתכן והוא מחזהו הראשון, הופכת אותו בדיוק כך שיישרף במחבת. הטעות העיקרית בקומדיה היא של הבמאי משה קפטן, שהחליט לאפוף את המחזה במחוות לתרבות ישראלית עממית למיניה, החל בסרטי בורקס, המשך במערכוני הגשש החיוור, וכלה באלה של ארץ נהדרת.


זה נשמע טוב, אבל זה לא טוב, ולא כי הרעיון עצמו פסול, אלא כי הוא מחייב תחכום, וכאן התחכום נעדר. שימוש בתרבות עממית היה עובד היטב אילו התקיים, למשל, מימד של ניגוד מול המקור. נכון, גם "קומדיה של טעויות" היתה תרבות עממית בשעתה, אבל היא היתה יצירה של שייקספיר, ולכן שרדה. למרבה הצער תרגומו של דורי פרנס, מפשיט את שייקספיר משייקספיר. אם אין כאן שייקספיר, הניגוד הוא רק בין סרט בורקס ישראלי עכשווי לסרט בורקס ישן ממקום אחר, וזה לא באמת ניגוד, אלא מתכון לוולגאריות.


על תרגומי שייקספיר של פרנס כבר קבלתי בעבר. חשוב לי לציין שהאיש בהחלט יודע להבריק, אבל פשוט מסרב לעשות זאת עם המחזות הללו, שחשיבותם רבה כל כך. הוא מתעקש להחליף את הברקות המקור בהברקות משלו, שאינן באמת הברקות. מישהו טוען שמגיע לו "צדק חברותי" (למה זה אמור להצחיק?), אשה מכנה את בעלה המאכזב: “גזר הבריאה" וסונטת באשה אחרת שהיא "שטן בשד". אין רע בעיני בכך שהמילה "פאק" תופיע בהצגה שכזאת, אבל רק אם יש מאחורי השימוש בה כוונה תחילה אינטיליגנטית. אבל בעבודה עם טקסט גאוני חייבים להזהר מלבזות אותו, ואפשר בהחלט להמנע מכך גם כשמלבישים אותו בלבוש רענן ודינמי.


מרגע שהטקסט בוזה, שייקספיר נעלם ואנחנו נשארים עם מין פעמיים בוסקילה, רק הרבה פחות מוצלח, כי “פעמיים בוסקילה” היה מוצר טראש אותנטי שלא חשב לרגע שהוא שייקספיר, וחי עם זה בשלום.


בעצם מדובר בארבע פעמים בוסקילה: שני זוגות של תאומים הופרדו אלה מאלה בתאונה ימית, כשכל תאום נותר במחיצת תאום מן הצמד האחר. עם השנים יוצא צמד אחד כזה למצוא את השני ומגיע לעיר אפסוס שבטורקיה. הצמד האחר מתגורר בדיוק בעיר זו, אבל עד שמתגלים התאומים אלה לאלה, נוצר בלבול ענק.


מעצבת התפאורה רות דר בחרה להציג את אפסוס כעיר חוף יוונית אידילית (העיר אכן היתה בתולדותיה יוונית, וכך כנראה תפש אותה שייקספיר). עבודתה היא כנראה הדבר הטוב ביותר בהצגה הזאת, ואליה מצטרפת מוסיקה יפה של שמוליק נויפלד – עם חיזוקים מאת גדולי המוזיקה היוונית – ותלבושות ססגוניות וכיפיות שעיצב מוני מנדיק.


את ארבעת התאומים מגלמים דן שפירא, יפתח אופיר, יניב ביטון ועידו מוסרי. באופן מדהים למדי, הם תאומים גם באיכות משחקם. יש בו אחידות שמעידה על מקצועיות ועבודת צוות טובה, אבל גם מעלימה במשהו את איכויותיהם כיחידים. הארבעה קופצים, נופלים ומתגלגלים לצלילי אפקטים קוליים זולים במכוון. הם משקיעים המון, אבל את ההצגה גונבות דווקא הנשים, בעיקר מיכל ברנשטיין כאדריאנה, אשת התאום המקומי.


מדי פעם צץ על הבמה עודד תאומי בתפקיד כרוז/במאי/מקהלה יוונית/אבי כל ארבעת התאומים/צ'ירלידר של ההצגה כולה. במונולוגים אותם הוא נושא, שציטוטים ממחזות שייקספיר אחרים בחושים בהם, הוא כמו מתנצל על היותו שם ומדרבן את הקהל למחוא כפיים. זה לא באמת נחוץ, כי הקהל נהנה וצוחק. “קומדיה של טעויות" בבימוי קפטן מאמצץ את הקודים של מדיום בו אנו מורגלים: הטלוויזיה. למדנו להתמסר לטלוויזיה ולהומור רדוד, אז יאללה, צוחקים.


אנחנו צוחקים כשנדב אסולין, בתפקיד צורף העיירה, מחליף כל ש' ב-צ', כי זה סבבה, כי שייקספיר בלי זה היה מה-זה-מצ'עמם. אנחנו צוחקים גם כשסצנה מסויימת נפתחת בציטוט מדוייק מתוך "קרקר נגד קרקר". זה באמת מצחיק, אבל הבדיחות אינן בדיחותיו של המקור, ובדיחותיו של המקור, שהן טובות, נזנחות לטובת המאמץ האדיר הזה למצוא חן בעיני הקהל.


קפטן, פרנס והקאמרי הפכו והפכו את שייקספיר עד שלא ניתן להפוך בו. לא ניתן להפיק ממנו דבר, לא יופי ולא חן וודאי שלא זיק של גאונות. מנגד, הם ביזבזו את ההזדמנות לעסוק בצורה מעניינת ומבריקה באוצר התרבותי המעניין והחי שהוא תרבותנו ה-”נמוכה". במקום לומר עליה משהו שיש בו טעם, הם העדיפו ליצור לנו, לוועדי העובדים ולמנויים השבויים מוצר של תרבות נמוכה באמת, גזרי בריאה שכמותם.


"קומדיה של טעויות" מאת ויליאם שייקספיר. התיאטרון הקאמרי. ביים: משה קפטן. משתתפים: דן שפירא, יפתח אופיר, יניב ביטון, עידו מוסרי, מיכל ברנשטיין, טל בלנקנשטיין, רונה לי שמעון, עודד תאומי, גילת אנקורי, אלי גורנשטיין ואחרים. הביקורת הופיעה במקור ב-"עכבר העיר". איור: יצירה של זמיר שץ.


מה בדיוק ביקשנו ממנו? | "מחכים לגודו" בתיאטרון פסיק


בכניסה להצגה "מחכים לגודו" שאלה בחורה את הסדרן שאלה פשוטה לכאורה: “כמה זמן זה נמשך?” זו שאלה נפלאה בהקשר הזה, שהתשובה הנכונה עליה היא כנראה: “לנצח". מחזהו הכביר של סמואל בקט האירי, שחובר בשפה הצרפתית והוצג לראשונה בשנת 1949, הוא מחזה אינסופי, הן משום שלעלילתו אין תחילה ואין סוף, והן משום שמרגע שצפית בו, הוא לעולם לא ירפה ממך.


בעצם, אין צורך אפילו לצפות בו. אני זוכר היטב את היום בו מורתי לספרות בכתה ט' איזכרה מחזה שלא מתרחש בו כלום. “הם עומדים ומחכים למישהו שלא בא. וזהו, זה הכל, כלומר, יש דמויות אחרות שבאות והולכות, אבל הן רק חוצות את העולם של שני הטיפוסים העלובים שעל הבמה, ושום דבר לא מתפתח.”


מה ששבה אותי בהערתה של המורה למעניינת היתה ההתלהבות בה נאמרה. כשאדם יודע ספרות ואוהב ספרות אומר לך "שום דבר לא מתפתח" בהתלהבות, זה מוזר. אין ברירה, אתה הולך וקורא את המחזה, ואז קורא על המחזה, ומגלה שיש בו, מתחת לפני השטח, רבדים מהממים של פילוסופיה ותיאולוגיה. אחר כך אתה יושב ומחכה שיעלו את זה הבמה, ומקווה שיעשו את זה טוב.


תיאטרון פסיק הירושלמי עושה את זה מצויין. אסי שמעוני ועוזי ביטון נפלאים בתפקידים הראשיים. הם מכניסים המון אישיות בתוך זוג דמויות שבקלות אפשר לוותר על אישיותן ולהסתפק בסימבוליות שלהן. ולדימיר זקוף קומה ורענן ביחס לאסטרגון הקוטר והסנילי. ועם זאת הם שיקופים זה של זה והדואט בינהם חי וטבעי. כשמופיעים על הבמה חביב מזרחי וליאור שגיא כפוצו הנפוח ולאקי – משרתו המתפקד גם כמעין סוס, התמוונה מושלמת. על הבמה ניצבות ארבע דמויות מלאות לחלוטין שכל אחת היא פרשנות מעמיקה וחיה לתעלומה שרקם בקט.


אנחנו מתעלפים ממש מן התלבושות הנהדרות של רקפת לוי (שעיצבה גם את החלל), מן הגרביונים המפוספסים של פוצו, שמצרים את רגליו וגורמות לגופו העצום להראות כאילו הו ניצב על קיסמים, לסחבותיו המשונות של אסטרגון, שאין בהן חולצה ולא מכנסיים, מתמסרים למוסיקה העדינה והמוצלחת של אשר גולדשמידט, ונפתחים אט אט בעזרת כל אלה לפואטיקה המיוחדת של בקט. נפתחים – וגם נסגרים, כי אין לנו באמת דרך להכיל אותה במלואה, וזה בסדר גמור, אין צורך.


זו הצגה דינאמית ומתנועעת מאוד. הכוריאוגרף אביב איבגי שקד על החייאת המימד הליצני של הדמויות מבלי להפוך אותן לליצנים מן המוכן ולהפיל אותן לבורות של סלפסטיק שבלוני מדי. היא דינאמית גם במובן אחר. אמנם המגבעות כאן הן מגבעות והערדליים ערדליים, אמנם שום עכשוויות או מקומיות לא הודבקו ל-”מחכים לגודו” הפעם, אבל חיבורה של ההצגה ליומיום של כל אחד מאיתנו עוצמתי. פשוט כי זה טבעה.


קחו את חילופי הדברים הבאים, (המוצגים כאן,מסיבה טכנית, לא בתרגומו היפה של בן בר שביט אלא בתרגום ספונטני שלי), והגידו לי האם אין לא מדובר בשיחה בין שני תומכים פסיביים של מאבק האוהלים, שדנים בתגובת ראש הממשלה לשוועת העם.


אסטרגון: מה בדיוק ביקשנו ממנו?

ולדימיר: אה... שום דבר ספציפי מדי.

אסטרגון: זו היתה סוג של תפילה

ולדימיר: בדיוק.

אסטרגון: מין תחינה מעורפלת.

ולדימיר: אכן.

אסטרגון: ומה הוא ענה?

ולדימיר: שהוא יראה

אסטרגון: שהוא לא יכול להבטיח כלום

ולדימיר: שהוא צריך לחשוב על זה.

אסטרגון: בפרטיות ביתו

ולדימיר: להתייעץ עם משפחתו

אסטרגון: חבריו

ולדימיר: יועציו

אסטרגון: מסמכיו

ולדימיר: חבריו לעט

אסטרגון: חשבון הבנק שלו.

ולדימיר: לפני שיגיע להחלטה.

אסטרגון: זה נורמלי.

ולדימיר: הלא כן?

אסטרגון: נראה לי ככה.

ולדימיר: גם לי.


אנחנו מחכים לגודו כמו גדולים, מחכים תמיד, מחכים בלי להתייאש: מחכים לשינוי, מחכים לשלום, מחכים למשיח. גודו לא בא, וגם לא מטלפן, ואפרופו משיחיותו: מעניין שבהצגתם של הפסיקים נשרו כמה הקשרים נוצריים, ובהם דיון ידוע בין שני הגיבורים אודות גורלם של הגנבים שנצלבו לצד ישוע. יש שיקולים הגיוניים מאחורי החלטה כזאת, אבל במחזה יהודי כל כך באופיו, שהמתנה האינסופית לגאולה במרכזו, ושיגון ליצני כמעט-אידישאי שורה עליו, אין סכנה בכמה מלים על כמה צלבים, ואפשר היה להותיר את המקור בלתי פגום.


ניחא, הוא לא נפגם. הוא חי והוא נואש והוא אינסופי בדיוק כמו שצריך. אין גבול לרובדים שבהם המחזה הזה נוגע לחייו של כלאחד מאיתנו: בין אם הם חברתיים, דתיים, פוליטיים או אישיים, ואין ספק שההפקה הנוכחית מעניקה לנו מפגש מושלם עם “מחכים לגודו”, על כל הקושי והמוזרות שבו.


"מחכים לגודו" מאת סמואל בקט. תיאטרון פסיק. בימוי: שמואל הדג'ס. משתתפים: עוזי ביטון, אסי שמעוני, חביב מזרחי, ליאור שגיא, נחמה פרל, גיא ישראל. הביקורת הופיעה לראשונה ב-"עכבר העיר". איור: פבלו פיקאסו, "הלוליינים".


מצויידת בארון מתים | "ביקור הגברת הזקנה" בהבימה


על רציף תחנת רכבת של עיירת תעשייה אירופאית שכוחה, עומדים כל נכבדיה: ראש העיר, קצין המשטרה, הכומר, המורה, הרופא ובעל המכולת, ועימם בני משפחותיהם. הם ממתינים לשובה של קלייר זכאנאסיאן, בת העיירה שנטשה אותה בגיל 17, נישאה לתעשיין ארמני עשיר, נטשה אותו, נישאה לאחר, נטשה גם אותו, נישאה לאחר, נטשה גם אותו, נישאה לאחר, נטשה גם אותו, נישאה לאחר וכן הלאה. לאורך הדרך הספיקה לגרוף מיליארדים. המחשבה עליהם גורמת לעיני בני העיירה, שנפלה מגדולתה המפוקפקת בלאו הכי, לנצנץ.


הכל תלוי בבעל המכולת, ששמו אִיל. הוא היה החבר של קלייר בתיכון. היא ודאי תזכור לו חסד נעורים. בני העיירה ממנים את איל לדבר אל ליבה של הגברת זכנאסיאן ולנסות להפיק מכיסה נדבה. הגבירה, שהגיעה לעיר מלווה בפמליה משונה עד מאוד, שכוללת שני סריסים עוורים, ומצויידת בארון מתים ובפנתר נתון בכלוב, משוטטת איתו ביער בו חרטו את שמותיהם על גזע עץ, מתרגשת ומתלהבת ומסכימה לתרום לעיירה מילארד דולר, בתנאי אחד: שאיל יומת.


מבחינתה, קלייר מבקשת צדק. איל הכניס אותה להריון בנעוריה ואז זנח אותה, כשילד בבטנה, שיקר וברח. פרנסי העיירה נחרדים מן המחשבה שיעלו אחד מהם כקורבן בעבור בצע כסף. הם מסרבים להצעה בנחרצות ובקשיחות. אלא שהנחרצות והקשיחות מתחילות במהרה להתרכך. סיפור התרככותן הוא עלילתה האמיתית של "ביקור הגברת הזקנה" מאת פרידריך דירנמט השווייצרי. מדובר בשיעור מרהיב, מצחיק ועצוב, על כוחם של מנגנונים חברתיים: של הכחשה, של הצדקה, של התקרנפות, וגם, כמובן, על כוחו האדיר, המכלה כל, של האוברדראפט.


תיאטרון הבימה מוכה האוברדראפט בחר להפתוח דווקא עם ההצגה הזאת במשכנו החדש, שנוצץ נגד בתי הבטון של סדרות תרס"ט כמו היה היכל קבלות פנים למיליארדריות זקנות. לבסוף הוחלט להקדים את פתיחת הבניין ובכורת ההצגה, שנערכה בשישי בצהריים, איבדה משהו מהעוצמה שיועדה לה. זה מצויין, מכיוון שכך לא ניתן לחגיגיות לבלבל אותנו. בשישי בצהריים רואים הצגות בבהירות רבה, וביקור הגברת הזקנה היא הצגה נהדרת.


אילן רונן שביים נוהג במחזה כמו היה תלמידו של יבגני אריה שעלה על רבו. לאביזרים, לתפאורה ולתלבושות (מעשה ידי לילי בן נחשון וענת שטרנשוס) ניתן תפקיד בקידום העלילה שהוא כמעט שווה ערך לזה של המשחק. התוצאה היא סימפוניה מתוזמרת היטב ואפקטיווית של כלים תיאטרליים. לא אפרט כאן את ההברקות, כי כבר גוללתי כל כך הרבה מהעלילה, אבל בשלוש מילים: צפו לצבע הצהוב.


בתוך קאסט מוצלח שכולל את דב רייזר כראש העיר, את אהרון אלמוג כמורה וכמה מן הכשרונות הצעירים המבטיחים של הבימה, זורח יהורם גאון בתפקיד איל הביישן, שהופך לניצוד. האיש הזה, המוכר בעיקר כזמר, הוא שחקן אדיר. כמה רגש הוא מכניס בעולם הגרוטסקי שאותו ברא דירנמאט! מי שזכה לראות את "קזבלן" על הבמה, ידע זאת מזמן, אנחנו חזינו בגדולתו של גאון ב-”קרובים קרובים" וגילינו אותה מחדש ב-”נבלות". יהורם גאון, עוד לא שיחקת די, ואני ממתין בקוצר רוח להצגתך הבאה.


בתפקיד קלייר מופיעה גילה אלמגור. בשנים האחרונות נדמה שהמנעד הדרמטי של אלמגור הצטמצם במשהו. היא קולעת בתפקידים מסויימים מאוד. קלייר זכאנאסיאן הוא בדיוק אחד מהתפקידים האלה, ואלמגור אכן משתחלת לתוכו היטב, אבל זה לא לגמרי מספיק. אם קלייר מרושעת ואיל הוא עלה נידף, הכל טוב. אבל אם איל הוא אישיות מורכבת, כפי שהוא מופיע בגילומו של גאון, אסור לקלייר להיות סתם מרושעת. ספקותיה וחולשותיה חייבים לעלות אל פני השטח. אלמגור מתקרבת לכך אבל לא ממש מגיעה. היא לא באמת מותירה אותנו בתחושה של חסר, אבל גם לא מרעיפה עלינו מליארד דולר של משחק.


לסיום עולה השאלה הפוליטית. על מה המחזה הזה בעצם? באחת הסצנות האחרונות בגירסה זו טמן רונן התייחסות ישירה לנאציזם. היא עשויה בטעם והיא אפקטיווית, אבל "ביקור הגברת הזקנה" אינו עוסק רק בנאציזם. כל חברה נכונה לקבל את סבלם של אחדים אם מובטח לה שגשוג בתמורה, וחברתנו שלנו אינה יוצאת מן הכלל. הרב י"ל מגנס, נשיאה הראשון של האוניברסיטה העברית, נטש את הארץ בשנת 1948, כשהבין שהגשמה כפשוטו של החלום הציוני תחייב חיים על החרב ואלימות בלתי פוסקת. מאז למדנו לקבל את העובדה שאנשים חיים תחת שלטון ישראלי ללא זכויות ולפעמים גם מתים ללא זכויות. לשם הקלת מצפונינו, למדנו להתמקד בעבירותיהם ולהתעלם משלנו. הכוונה לא רק לפלסטינים, אלא לכל המוחלשים במרחב הישראלי – ממבקשי המקלט של גן לוינסקי ועד לנוער בסיכון בקריות. כולם רק רוצים לחבל בשגשוגנו הרוגע. איך לכל הרוחות נפטרים מהם?


דירנמאט, שחי בליבה של אירופה, מיקם את המחזה בליבה של אירופה, כך שהקהל שצפה בבכורת המחזה בבאזל לא חש ריחוק מן הביקורת. אם ניתן לעצמנו לחוש ריחוק כזה, נבזבז את ההצגה. “ביקור הגברת הזקנה" הוא מחזה שבכוחו לייצר מוסר, הוא כלי חינוכי אמיתי, וסיומו הנוקב הוא מתנה אותה מעניק דירנמאט לאנושות שקל לה כל כך ללכת שולל.


"ביקור הגברת הזקנה" מאת פרידריך דירנמאט, תיאטרון הבימה. ביים: אילן רונן. משתתפים: גילה אלמגור, יהורם גאון, רב רייזר, אהרן אלמוג, מיכאל כורש, אלכס אנסקי ואחרים. הביקורת הופיע לראשונה ב-"עכבר העיר". איור: דיוקן המלכה אליזבת הראשונה.


יום שני, 6 בפברואר 2012

זה כל כך מתאים לך, איראן! | "חוטאים" באנסמבל עיתים




לא פשוט לחבר את הביקורת הזאת. לא פשוט – כי אני כל כך אוהב ומכבד את האיש והיוצר שכתב וביים את ההצגה “חוטאים”. אני אוהב את עולם הערכים שלו, אוהב את הגישה שלו לאמנות המחזה, אוהב את הפרוזה שלו ואוהב מאוד את הזקן שלו, ובכל זאת מוצא לנכון להביע אכזבה מעבודתו פעם שניה ברצף.


יהושע סובול בא מאהבה, וזה מה שכל כך מעצבן אצלו. גם בהצגה שלפנינו הכוונות משובחות, ממש כמו באכזבה הקודמת: “בעל למופת", אותה עיברת ועיבד עבור בימת הקאמרי. הפעם, ביציאה מאולם נחמני, לא יכולתי שלא להזכר בסצנת הכמעט-סיום של הסרט "כשהארי פגש את סאלי” ובמילות התוכחה של סאלי: “זה כל כך מתאים לך הארי! אתה אומר דברים כאלה וככה אי אפשר לשנוא אותך.”


את המילים המונעות שנאה, או במקרה הזה, שלילה מכל וכל של ההצגה, כותב סובול במאמר המופיע בתוכניה. הוא מתאר כיצד נתקל תוך גלישה לילית ברשת בסיפור מזעזע על הוצאה להורג של בת 13 באיראן, וכיצד עוררה בו חקירת הנושא צורך להגיב בלשונו, שהיא לשון התיאטרון. בהמשך המאמר הוא מתאר את התחבטותו בבואו לחבר מחזה כזה כגבר ישראלי.


האוריינטליזם והקושי לעסוק במצב האישה כגבר אינם בעיותיו העיקרית של המחזה "חוטאים", גם אם ניתן למצוא שרידים בלתי נמנעים להם פה ושם. בעייתו העיקרית היא לשון התיאטרון שבה הוא כתוב ומבויים. “חוטאים" הוא דואט לאשה הקבורה בתלולית עפר, מחכה לסקילתה ולגבר אוסף את האבנים בהן תיסקל. היא אהובתו הנשואה, החזקה, המשכילה והמבוגרת ממנו. הוא מאהבה, שאף הוא נשוי ואף הוא בוגד. ניתנה להם שעה אחרונה להיות יחדיו, שעה שתהיה שעת יאוש, שעת מדון ושעת אהבה.


זו לא תהיה, מן הסתם, שעה של תנועה מרובה, שהרי הגיבורה לכודה. במחזה "ימים יפים" של סמואל בקט, קבורה הגיבורה בדיונה של חול במשך ההצגה כולה ושוקעת לתוכה בהדרגה. במחזה ההוא גם הגבר סטאטי, ואיכשהו זה עובד. גם "חוטאים" מתחילה לצבור גובה כאשר הגבר מפסיק לחוג סביב האשה הכלואה ומתיישב לצידה. הם מגוללים זכרון בזמן עבר ולאחר מכן מתחילה האשה, העוטה כיסוי ראש מוסלמי לבן, לזמר שיר אמריקאי שאהבו. זה רגע מוזר ומהפנט, הטוב בהצגה כולה.


אבל רגע, בואו נשוב כמה שורות לאחור. "מגוללים זכרון בזמן עבר,” הו ג'יזס, כמה מעייפת הצגה כשהיא מלאה בתיאורים, כשהיא מספרת "על" ולא "את". כמה מתסכל מחזה חדש כשמופיעות בו מלים כמו "ברנשים" וקלישאות כמו "לעולם אינך יכול לעבור באותו נהר פעמיים.” סובול אולי לא חוטא לאיראן. הוא מתאר אותה תיאור רבגוני ובו סקילות ציבוריות לצד זכרון לילות אהבה בסוכות מציל, אבל הוא חוטא לאוזנינו. תיאטרון עברי עכשווי שנשמע כך לא יכול להיות אפקטיווי.


על שני השחקנים, אייר וולפה ואייל צ'יובן, מוטל להפוך אותו לאפקטיווי בכל זאת. מבין השניים, נגעה בי יותר עבודתה החריפה והבוגרת של וולפה, זאת אומרת: ברגעים שבהם לא נפלה למלכודות של פאתוס. יש לוולפה יכולת נדירה להפוך את דבריה למוזיקה של ממש, כשרון המשרת אותה במצבה הנייח כל כך. צ'יובן, לעומתה, מינורי מדי, כאילו הוא משחק תפקיד קטן המחייב אי-נראות מסויימת, ולא דמות ראשית. מדובר בעניין של אנרגיות שיתכן והוא משתנה מהופעה להופעה, אבל יתכן שלא.


זה הכל בעצם. נשארה לי רק שאלה אחת עבור סובול, שאלה של שתי מלים: למה איראן? מובן שהמחזה נולד מתוך אירוע שהתרחש שם, אבל על הבמה יוצר ההקשר הפרסי דווקא הרחקה. הקהל הישראלי למד להביט בחברה האיראנית כ-"אחר" קיצוני. כאשר אנחנו רואים לפנינו עוולות איראניים, ועוד איומים כל כך, הדבר האחרון שעולה על דעתנו הוא להביט בעצמנו, גם אם אנחנו נחרדים למראה בזיון האשה בחברה הישראלית ומרבים לומר "איראן זה כאן".


אם איראן זה כאן, עדיף לכתוב מחזה על כאן, או על מקום שאינו כאן ואינו איראן. זכורה לטובה ההצגה “סכינים בתרנגולות” שעלתה לפני מספר שנים על אותה במה ממש ועסקה אף היא בדיכויה של האשה - בסקוטלנד של ימי הביניים, כלומר כאן ועכשיו.


אם איראן אינה כאן, כלומר כאן, אצלנו, בלב, אין צורך לעשות עליה תיאטרון. ברגעים מסויימים במהלך "חוטאים", זיהיתי רגשות מוכרים. זיהיתי את החטאים שלי כלפי נשים בחיי, את הצורך שלי להימלט מסיפורי אהבה ואת הכאב שהייתי מוכן לעורר כדי שיסתיימו. התחושה הזאת ארכה שניות ספורות ואז חנק אותה הצ'אדור של לילה והיא נעלמה. זה כל כך מתאים לך, איראן! את מספקת מודל מושלם של אכזריות תיאוקראטית וככה אי אפשר להפיק ממך כלום: לא לשנוא, לא לאהוב, בקושי ללמוד משהו.


"חוטאים" מאת יהושע סובול ובבימויו, אנסמבל עיתים. משתתפים: אייר וולפה, אייל צ'יובן. הביקורת הופיעה לראשונה ב-"עכבר העיר". איור: אשה מוצאת להורג, מאת צייר לא ידוע.

שלוש סיבות | "חובזה" בסמינר הקיבוצים.



בדרך חזרה מסמינר הקיבוצים חשבתי על השיר של חזי לסקלי עם השירה והכתפיים. הנה הוא למי שלא מכיר:


אני שונא שירה

ויש לכך שלוש סיבות

האחת: איני יכול להניח את ראשי על כתפיה של השירה

השניה: השירה אינה יכולה להניח את ראשה על כתפי

השלישית: לשירה אין ראש או כתפיים

וישנה גם סיבה רביעית.


כבר שנים שאיני פוקד הצגות סטודנטים לשם ביקורת, ויש לכך שלוש סיבות. הראשונה: אלה בסך הכל סטודנטים, הם לא אנשי מקצוע עדיין וטרם הומצא פרמטר לשפוט באמצעותו את איכותן של הצגות כאלה. השניה: קל מדי להתאהב בנשמות היצירתיות הצעירות האלה ולשכוח את כל הפרמטרים שבעולם. השלישית: הצגות סטודנטים רצות מספר מוגבל של פעמים, כך שכאשר הקאסט שלהן מורכב מכיתה שלמה, הסיכוי שיהפכו להפקות פרינג' ויוצעו לקהל הרחב מוגבל מאוד, וישנה גם סיבה רביעית.


בכל זאת, הלכתי לסמינר לצפות ב-”חובזה", הפקה בביצוע תלמידי שנה ב' במסלול תיאטרון מחול, על פי סיפורי אתגר קרת, ויש לכך שלוש סיבות. הראשונה היא שההצגה באמת נשמעה כיפית. “געגועי לקיסינג'ר" הצגת היחיד של אורי הוכמן על פי סיפורי קרת, היתה כיפית ממש, ובכלל, סיפורים קצרים הם אולי הסוגה המחזאית המענגת ביותר, כשנוהגים בהם נכון.


הסיבה השניה היא רוני ברודצקי, בוגרת הסמינר הצעירה שביימה את ההפקה. לפני כשנתיים העלתה ברודצקי בשיתוף עם ניבה דלומי את אחת ההצגות המקסימות והצנועות שידע התיאטרון העברי בעשור האחרון: “כי אמיתית היא", מסכת קצרה על ילדות בקיבוץ. מעניין היה לגלות לאן המשיכה משם.


הסיבה השלישית היא ספרותו של קרת. אנחנו נוטים לראות בה מוצר רענן ומצליח של תרבות ישראל שלא זקוק לעידוד או דירבון, אבל לא פחות מ-20 שנה חלפו מאז ראה אור ספרו הראשון "צינורות", ויצירות גאוניות אינן נשארות בתרבות מעצמן. צריך, מדי פעם, להפוך אותן לתיאטרון מחול, וכשהן הופכות לתיאטרון מחול, צריך ללכת ולצפות בזה ולכתוב על זה. וישנה גם סיבה רביעית.


ברודצקי ומעצבת התלבושות איה ציגלר עשו מן השחקנים להקת מוקיוני גות'. כולם על הבמה לבושים בשחור, אבל לחייהם סמוקות בעיגולים לייצניים כחולים. תנועתם בלתי פוסקת. כל מילה ומשפט בסיפורים נענים בתנועה. לפרקים זה מוגזם ומעצבן, מי שאמונתו בתיאטרון-מחול מוגבלת עלול לרטון שהקונספט מאולץ, אבל בסופו של דבר ניתן כאן מלוא המקום הן לסיפורים והן לכשרונם הרב של המבצעים. בסיפור הראשון, על כל פנים, זה עובד ממש. “נהג האוטובוס שרצה להיות אלוהים" מבוצע על ידי אנסמבל של חמישה, הוא מצחיק, הוא מוזיקאלי, הוא דינאמי והוא מרגש עד דמעות ממש.


הסיפור השני "שלמה הומו כוס-אל-אומו", חלש יותר. לא יכולתי שלא להתגעגע להוכמן, שעשה ממנו קטע היפהופ, והפיק מתוכו כל אטום של אפקטיוויות טראגי-קומית. שלמה, ילד שכל חטאו הוא היותו טיפ-טיפונת חריג, מוקנט על ידי התלמידים האחרים בכיתה לעיניה של המורה המחליפה שלא יודעת מה לעשות עם העניין וגם לא ממש אכפת לה. במהלך רינה-ירושלמיסטי שאינו לחלוטין הכרחי מפצלת ברודצקי את המורה המחליפה לשלוש שחקניות שונות המעניקות לשלמה המסכן תשומת לב אירוטית תמוהה. אם הוכמן, בהצגת היחיד שלו, עשה מאמץ להחיות את ילדי הכתה דווקא, ברודצקי מוותרת עליהם ומשאירה אותנו עם ריק מוזר.


מיד לאחר מכן מגיע פיצוי מושלם. מוריה קלטר המרשימה מספרת את סיפורו של קרת “צבעים עליזים”, בעוד צליל אטלן מנפחת לצידה בלונים בצבעים עליזים, שהולכים ומתרבים דווקא ככל שהסיפור נעשה אפל ועגום. גיבור "צבעים עליזים" מתחיל את דרכו כפותר כפייתי של "הציור השבועי לילד" וסופו שהוא הופך לאימת העולם כולו, כי אין דרך להסתיר דבר מפניו.


הסיפור מסופר בגוף שלישי, ללא התחפשות. המימד התנועתי מהודק, מתוחכם, מושלם. אף אחת מן השתיים אינה מאיירת את הסיפור בתנועותיה. קלטר קוטעת כל כמה משפטים בתנועות איגרוף מסוגננות שכאילו נלקחו מתוך סרטון אנימציה יפני. אטלן מעלימה את פניה מאחורי עוד ועוד בלונים, מבלי לשחרר אותם משפתיה. זה עובד.


הסטוריטלינג היא אומנות בה במידה שהיא אמנות, כל הסיפורים מסופרים כאן יפה, חלקם בזכות התנועה וחלקם למרות התנועה, ובעצם בדיוק זאת אמורה להיות התוצאה כשמבצעים ניסוי מעניין. בסיפור האחרון, עיניים נוצצות, משתלבים כל הגורמים לכדי חגיגה שברגע מסויים נעשית אנרכית ואז שוב מתהדקת. ההצגה מסתיימת בדיוק ברגע הנכון ואנחנו יוצאים החוצה עם טעם של עוד.


כשמדובר בהצגת סטודנטים, המילים "טעם של עוד" אומרות המון, כי יהיה עוד. “חובזה" היא סיפור ראשון בספר ארוך שאותו עוד יחברו הצעירים הללו. כבר עכשיו הם מזכירים לי כמה אני אוהב את התיאטרון, ולמה. יש לכך, למעשה, שלוש סיבות: אני יכול להניח את ראשי על כתפי התיאטרון, התיאטרון יכול להניח את ראשו על כתפי, לתיאטרון יש ראש וכתפיים (ורגליים רוקדות וקופצות, ושפתיים מספרות סיפורים ומנפחות בלונים, ושמלות שחורות ועיניים נוצצות) וישנה גם סיבה רביעית.

.

"חובזה" על פי סיפורים מאת אתגר קרת. בית הספר לאמנויות המחול של סמינר הקיבוצים. ביימה: רוני ברודצקי. משתתפים: בועז דן, נגה נויפלד, אורטל צבר, מור שאנן, ידידיה אנקרי, יותם ליבנה, סיון צוקרמן, דנה קופלביץ, מוריה קלטר, צליל אטלן, נופר בלכנר, הדר זוסמן, הגר משולם-ויצמן, ענבל סנדל. הביקורת הופיעה לראשונה ב-"עכבר העיר". איור: ג'קי, מתוך דף הפייסבוק של "הציור השבועי לילד"


ובימים האפלים | "מהגוני" באופרה הישראלית



בתוך אוצר היצירה שהשאיר אחריו הצמד ברכט ווייל, מצויות כמה יצירות שמרכז הכובד שלהן הוא מוזיקאלי, ושאפשר בהחלט לומר שיצר אותן הצמד וייל וברכט. כמה מן היצירות הללו הן אופרות ממש, שאפתניות ויפות ועשויות לתלפיות, אבל דווקא ה-"אופרה בגרוש", שאינה אופרה אלא מעין מיוזיקל, נשארה בתודעת העולם. התחילו לשרוק את "מקי סכינאי" בכל חדר הומה אדם בעולם המערבי, ומישהו יצטרף אליכם.


אצלנו דווקא עושים חסד עם האופרות הצרופות. לפני כשנה וחצי עלתה הפקה יפהפיה של האופרה הקצרה "האומר כן". עמלו עליה בהצלחה תלמידי בית הספר למוזיקה בוכמן-מהטה באוניברסיטת תל אביב. בימים אלה מעלה האופרה הישראלית את "עלייתה ונפילתה של העיר מהגוני", מצד אחד אופרה מלאה ועשירה, מצד שני: התקפה מכוונת של וייל וברכט על הצורה האופראית והקהל האופראי. במילים אחרות, זו יצירה שיש לנהוג בה בתערובת כמעט בלתי אפשרית של רצינות וחוסר רצינות. מי מסוגל לזה?


התשובה היא: עמרי ניצן. לא צפיתי שהטור הנוכחי יהלל במאי שלרוב יש לי קושי עם השפה התיאטרלית שלו, אבל הפעם מגיע לו בגדול. “מהגוני" תחת ידיו הופכת להיות דואט מרגש ומרתק בין מלחין לבמאי. ניצן ממצה את כלי העיצוב והתאורה הפנטסטיים של בית האופרה, הופך את הזמרים לשחקנים, כפי שרק במאי תיאטרון אמיתי מסוגל לעשות, וחשוב מכל: עושה מ"מהגוני" מסיבה.


כיוון המחשבה שלו מובן מיד עם עלות המסך. מאחורי מסך מצוי מסך אחר, עליו מוקרן מרדף מכוניות כפי שצולם מהליקופטר. מכונית אחת מוקפת בעיגול לבן, כמו בשידורי הטלוויזיה שעקבו אחרי לכידת או ג'יי סימפסון. במהרה מופיעה המכונית על הבמה. היא ורודה, היא מלאה בטיפוסים מפוקפקים שנמלטים מן החוק והיא תקועה באמצע ישימון אמריקאי: אלבמה.


אה כן, שכחתי להזכיר, גם "מהגוני", על כל היותה אופרה של ממש, כוללת להיט שהצליח דווקא בביצועיהם של הדלתות ושל דיויד בואי. “שיר אלבמה". כאשר עולה לבמה להקת הנשים המזמרת אותו מתבררת הבעיה העיקרית של ההפקה הזאת, והיא קולית. למריסול מונטלבו, המגלמת את נערת הליווי ג'ני סמית', יש בעיה של עוצמות, שיתר מקהלת הנשים לוקה בה. בכלל, המוזיקה היא הפן החלש יותר בהפקה. מאסטרו דיוויד שטרן הפיק יופי מן התזמורת אבל נכשל מלייצר תקשורת מושלמת בינה לבין הבמה ומצויינות אמיתית מצד הסולנים.


אלמלא היה כאן תיאטרון, זה היה מטריד, אבל יש כאן תיאטרון. ג'ני וחברותיה חוברות לפושעים מהמכונית התקועה ולחבורת גברים שנמלטה מעיר תעשיה סמוכה ויחדיו הם מקימים את העיר מהגוני המתירנית, שהיא ספק עיר, ספק בית בושת, ספק מכבסת כספים, ספק אומה טוטאליטארית. אל אותה עיר מגיעה גם חבורה של חוטבי עצים מאלסקה, שצברו כסף רב בעבודה קשה ביערות הצפון והחליטו לחיות באמצעותו חיים לאס וגאסיים עליזים. גלגלי העלילה מונעים כאשר אחד מן החוטבים, ג'ים מהוני (אותו גילם, בקאסט בו צפיתי, ג'ון אולנהופ המוצלח) מואס בסתמיותה של מהגוני וקורא עליה תגר.


כמה קריאת תגר יש באופרה הזאת. כמה תגר קורא קורט וייל. הוא מזג כאן אינספור סגנונות מוזיקאליים, מאופרה ואופרטה ועד ג'ז, בלוז, רביעיות ספרים ואוונגארד מוזיקאלי אירופאי בן זמנו. התשובה הנכונה לחופשיות מוזיקאלית כזאת היא חופשיות בימתית וניצן נוהג בה, מוזג עוד ועוד צבע בעזרתם של מעצב התפאורה מיכאל קרמנקו, מעצבת התלבושות מגאלי גרברון ומעצב התאורה אבי יונה בואנו (במבי), וכמובן בעזרת שחקניו – זמריו.


ככל שהחגיגה נעשית אפלה כך היא גם מעניינת יותר. טבעת העלילה מתהדקת אט אט סביב נושא בו עוסקת החברה הישראלית כולה מאז הקיץ האחרון: רודנותו של הכסף והאמצעים בהם משתמשת החברה להכשיר רודנות כזאת. ברגע האמת, רגע הסיום של האופרה כולה, שהוא עוצמתי בין כה וכה בזכות עובדתם המוצלחת של קורט וברטולד, ברטולד וקורט, עושה ניצן את הבלתי יאומן: הוא מנחית את מלוא עוצמתה הסאטירית של האופרה על ראשה של המציאות הישראלית בת זמננו.


אחזור על זאת. עמרי ניצן אשכרה אומר אמירה חד משמעית, כועסת ומדרבנת מחשבה. מי שמע על דבר כזה בשדרות שאול המלך? הרי בתיאטרון השכן, שהוא מנהלו האמנותי, עדיין עולה "בעל למופת" של יהושע סובול על פי אוסקר ויילד, הזדמנות מוחמצת עד בכי לזעוק זעקה בעלת ערך. הפעם, מעל במת האופרה, מול קהל של אופרה, שהפרוטה בכיסו והשאננות בנפשו, מוציא ניצן את המסור החשמלי מן השק, מפעיל אותו, מצמיד אותו באופן מטאפורי לקרשי הבמה, ונותן לנסורת לעוף.


אולי לא כולם ימצאו את זה עד כדי כך מטריף ואקסטטי, אבל אני בכנות חשתי כך וכשיוצר ישראלי מן המיינסטרים מעז, זה בכל מקרה אירוע. על כן אני מקדיש לניצן, לאופרה, לקרמנקו וליתר היוצרים המוכשרים את השיר הקצרצר של ברכט שפותח את ספרו "ובימים האפלים", והוא האהוב עלי מבין יצירותיו:


ובימים האפלים

האם גם אז יושר עוד שיר?

אכן, גם אז יושר עוד שיר,

על הימים האפלים.


עלייתה ונפילתה של העיר מהגוני, מאת קורט וייל על פי ליברית מאת ברטולד ברכט, האופרה הישראלית, במאי: עמרי ניצן. משתתפים: ג'ון אולנהופ, מריסול מונטלבו, סוזנה הברפלד, אלן וודרו, יוהאנס פון דויסבורג, גיא מנהיים, נח בריגר, ולדימיר בראון. הביקורת הופיעה במקור ב-"עכבר העיר. איור: "לאס וגאס רזמאטאז", מאת ארי רוסימוף.

ערב עם מאדאם בונור | "קברט וולטייר" בתיאטרון יפו



הביקורת הזאת היא שלישית בסידרה. כשכתבתי על המחזמר "קברט" לפני כמה שבועות עדיין לא ידעתי שמדובר יהיה בטרילוגיה, אבל מסתבר שהקברט, חוויית בידור שמעטים מאיתנו חוו אותה ישירות, מעוררת את דמיוננו ומעניקה לנו השראה ללא גבול.


כמה שבועות אחרי "קברט" כתבתי על מופע הקאלט ”פרפקטלי מארוולס קברט", והנה אני פוסע מתחת ללוגו "קברט וולטייר" עשוי אורות חג המולד, שנקבע בשערי תיאטרון יפו. אכסדרת התיאטרון מולאה שולחנות עגולים, משל היתה מועדון הסבליים שבו מוצג "פרפקטלי מארוולס קברט", אבל מה שהוצג בפניהם קרוב יותר ברוחו למחזמר של הקאמרי. בעוד "פרפקטלי מארוולס" הוא קברט ממש, זה אינו קברט, אלא הצגה שמשתמשת בקברט ככלי אסתטי וכציר עלילה.


עלילה? מדובר יותר בקונספט עלילתי. מחזאי ששכל את בנו בורא עבור אשתו מופע קברט שהדמויות המזמרות והשרות בו מייצגות כמיהה לחיים והכחשת השכול. עם השנים הוא מתבגר ומתגבר ומבין שהשניים זקוקים להתאבלות נורמאלית. הוא מנסה לסגור את המופע, אבל אשתו מתנגדת והקאסט עומד לצידה. לפחות הופעה אחת אחרונה תערך ואנחנו נוכחים בה, ישובים סביב שולחנות ולוגמים יין לבן.


את המחזאי מגלם מוחמד בכרי, שחקן ותיק ורציני שמביא איתו ערך מוסף של הילת יוצר רב תחומי ונוכחות עוצמתית. על הבמה איתו ארבעה כשרונות של ממש: רביד סביל, מגי אזרזר, קרן ברי ויעקב תמרי. הם שרים היטב, רוקדים היטב ומשחקים היטב. (אזרזר, בתפקיד "ליידי מג'נטה" בולטת במיוחד ומצליחה לשחק באופן אקספרסיבי למרות שעיניה עטורות בריסים מלאכותיים אדירים ומקושטים) השירים, אותם הלחין שחר גלזר, חגיגיים ומלאי און, התאורה, מעשה ידי עדי שמרוני, דרמטית ואפקטיווית. התלבושות, אותן עיצבה ליהי זורר, מלאות בהברקות. כל אלה הן סיבות להצטער על כך שמדובר בהצגה ולא בקברט ממש.


סיפור מסגרת אינו הופך מופע להצגה, צריך לדעת כיצד לספר אותו. את קברט וולטייר כתב וביים יובל רוזמן, שחקן מצויין, איש תיאטרון בכל שס"ה גידיו, ואמן דראג כשרוני. רוזמן הוא דמות עולה בתיאטרון המקומי. זוהי זכות לגשת ליצירה שלו בשלב זה ולהעניק לה ביקורת בונה.


תיאטרון הוא כלי תקשורת. אחד מתפקידיו של המחזאי הוא למצוא דרך להעביר בבהירות את היסודות העלילתיים של ההצגה בשלב מוקדם של הערב, מלבד אלה שאותם הוא שומר כהפתעות. האקספוזיציה של "קברט וולטייר" אינה רגישה מספיק לצורך של הצופים בבהירות והקהל מגיע לשלבי ההצגה המתקדמים בלי הכלים לפרק ולנתח אותם. בשלבים המתקדמים האלה אנחנו מופגזים בהתייחסויות לשירת העולם, לתפילות מדתות שונות ולתרגום הערבי ל-”נה מה קיטה פה”. אין שום סיבה שסיפור מסגרת פשוט כל כך יהפוך לרכבת שדים שבה ז'אק ברל בחיג'אב מזנק על הנוסעים ההמומים ללא הסבר.

ועכשיו משהו על הציטוטים. כל בן-תרבות מכיר את נה מה קיטה פה. אנחנו מזהים גם את הקוראן ואת תפילת אבינו מלכנו. אפילו שורה ארוכה של ברכט שמצוטטת ללא קרדיט קבילה בעולם פוסט-מודרני מלא שאילות, אבל מונולוג שלם מאת המחזאי והתסריטאי האוסטרי פטר הנדקה, שנאמר בפי בכרי, מחייב קרדיט. קהל שאינו מכיר את הסרט "מלאכים בשמי ברלין" ממנו הוא לקוח, או שצפה בו ושכח, יחשוב שמדובר בהברקה של רוזמן, ולא כך הוא. שוב ושוב עברתי על דף התוכניה בחיפוש אחר שמו של הנדקה. הוא נעדר ממנה. רוזמן אישר בשיחה שהקרדיט יתווסף בתוכניית ההצגות הבאות.


חולשה אחרונה הראויה להתייחסות קשורה בדמות "המחזאי", בגילומו בכרי. בניגוד למאדאם בונאור, אשתו (רביד סביל המצויינת), המחזאי אינו עובר שינוי משמעותי במהלך ההצגה. הוא מגיע להתרחשות כשהתהליך הרגשי מאחוריו, דמות סטאטית, לא אניגמטית. בכרי מזין את הדמות במסתורין, אבל אין לו הרבה מה לעשות נגד הסטאטיות שלה. רוזמן מבזבז אותו, וזה ממש חבל.


מבין שלושת הקברטים, קברט וולטייר הוא היחיד שאינו נפתח בשיר "ווילקומן, ביאנוונו, וולקאם.” הדגש כאן הוא על הביאנוונו. קברט וולטייר הוא פרנקופילי, בעוד המחזמר קברט עוסק ברפובליקת ויימר והפרפקטלי מרוולס קברט שואב מברודוויי. בשלושת המקרים אנחנו נוגעים במושג מדומיין, רומנטי ואנטי רומנטי של תרבות מערבית אחרת.


עד כמה אנחנו למדים על התרבויות הללו מצפיה בהצגות קברטיות? הרי קברט בישראל בשנת 2012 הוא לא יותר משורה של סימולקרות. הטלוויזיה קטלה את סגנון הבידור הזה. נותרו ממנו מופעי החשפנות מחד וספקטקלים מעושים לתיירים אמריקאים מאידך. הקהל לא יודע קברט מהו, הוא אפילו לא באמת נוסטלגי לקברטים. עד כמה מאפשרת הסימבוליקה הנגישה אבל החלולה הזאת לחקור את גרמניה, אמריקה או צרפת באמת?


במקרה של המחזמר קברט – החקירה מעמיקה ומצמררת. במקרה של הפרפקטלי מארוולס קברט, מוגש לנו מימד לא צפוי של התרבות הניו יורקית: זמרת ברודוויי פרינג' הזימתית והפוליטית שאינה מגיעה לבימות הגדולות. במקרה של קברט וולטייר הצרפתיות היא רק קישוט. זירת ההתרחשות האמיתית שלו אינה המולן רוז' אלא החור שבלב המקומי. זהו ערכה המיוחד של ההצגה הזאת, זו תעוזתה ועל כן היא חשופה גם לביקורת מיוחדת.


"קברט וולטייר" מאת יובל רוזמן ובבימויו, תיאטרון יפו. משתתפים: מוחמד בכרי, רביד סביל, מגי אזרזר, קרן ברי ויעקב תמרי. הביקורת הופיעה במקור ב-"עכבר העיר". איור: דיוקן מאדאם לוסי, מאת אנרי דה טולוז לוטרק.